保罗•克利画作的乐感

位于巴黎音乐城（la cité de la musique）的音乐博物馆（musée de la musique）从10月18日开始举办世界著名抽象派画家保罗∙克利（paul Klee 1879-1940 ）大型作品展。这是二十年来巴黎首次举办这位在现代世界绘画史上占有重要位置的画家的大型展览。“保罗∙克利复调音乐”（ Paul Klee Polyphonie）展览将于2012年1月15日结束。

《多彩花坛》 1923 © Zurich, Kunsthaus

在音乐博物馆里举办大型画展似乎有点奇怪，但了解音乐在克利的生活和创作中所占的重要位置后，展览策划者在音乐博物馆里举办克利展的初衷就一目了然了。

从理论上看，多声部音乐是以两个、三个或更多在艺术上有同等意义而各自独立的曲调，前后叠置起来，在横纵两方面，并在保持独立性的同时达到各声部的节奏、力度、强音、高潮、以及旋律的平衡与协调。这正是画家克利希望通过他的画笔表现出来的意境。

音乐和绘画在克利生命中不可分割

保罗•克利1879年生于瑞士伯尔尼近郊的一个小镇。父母都是音乐教师。克利从小就有不凡的音乐天赋，音乐是他一生中不可分割的组成部分，但在人生的道路上需要选择的时候，他却毅然决定从事绘画的道路，这是因为在他对绘画与音乐的关系进行思索以后，相信音乐已在十八世纪通过莫扎特达到了最完美的境界，但是绘画和视觉艺术则还处于摸索的阶段。他要通过绘画找到理智与情感，严肃与幽默，形状与表达之间的平衡。而从小打下的音乐基础造就了保罗•克利日后在艺术创作上的成功，音乐也始终是他灵感的源泉和表达情感的重要途径之一。可以说，在克利的世界里，绘画和音乐的关系丰富而复杂，而且不可以分割。从克利的的作品里可以明显地感觉出强烈的音乐节奏感。不论是物象的色块组织还是点线的结合，都是对音乐艺术的图像解读。保罗• 克利很完美地结合了听觉艺术与视觉艺术之美。他的许多绘画作品初看无疑就是一些色块的组合，但是当我们细细地品味每一色块的时候，就像是在听着一曲交响乐。轻重、浓淡，冷暖的色块调子都化成了快慢、 强弱的视觉音乐。克利毕生追求的是视觉和听觉的和谐。

这次展览一共汇集了130幅作品以及70多件包括私人信件，照片，书籍，和他曾经用过的一把小提琴。展览的独特之处是将克利的音乐和绘画两个世界融汇在一起，让观众通过音乐来理解克利的绘画创作理念  音乐不是绘画的点缀，而让人能更深入理解画家的绘画世界。人们在欣赏绘画作品的同时，可以通过展览馆里配备的多媒体音响装置收听到克利演奏过的，他经常喜欢听的音乐，或者是曾经在通信中提到过的音乐，这也许是进入克利的绘画和艺术世界的绝好捷径。

克利艺术生涯中的六个重要时期是此次展览的主轴：

第一个时期 ：从音乐到绘画（1898-1910）

保罗•克利最初接触绘画艺术的时候最感兴趣的并不是油画，而是铜版画，他喜欢德国文艺复兴时期的画家，但也喜欢用幽默讽刺画来表达他的情感。他在乐团里担任小提琴手，也为杂志撰写关于十八，十九世纪的音乐和歌剧的评论文章。1901-1902年冬季，克利到意大利参观了罗马，那不勒斯，弗洛伦萨等城市后，深刻感受意大利文艺复兴时期的建筑，绘画和雕塑大师的魅力。1906年和德国籍妻子，钢琴家莉莉∙ 斯图姆夫（Lily Stumpf）结婚后，俩人一起演奏莫扎特，舒曼，贝多芬的乐曲，他也对歌剧有极大兴趣，除了莫扎特以外，瓦格纳（Wagner）和德彪西（Debussy）都是他最欣赏的大师。这个阶段，克利尚没有真正找到属于自己的绘画风格，1908～1910年间，他在巴黎发现了塞尚、高更和马蒂斯的作品，受到很大的视觉震憾。

第二个时期：慕尼黑-巴黎 表现主义和色彩（1911-1915）

1911年，克利在慕尼黑加入了康定斯基为主的表现主义团体“蓝色骑士”后，接受画友的指引，渐渐走出自己的绘画风格。
康定斯基是抽象绘画的先驱，是这个时期对克利影响较大的人物之一。康定斯基和克利两人对艺术的理念相似，但由于个性和对自然的感受不同，作品风格也有较大的差异。康定斯基的作品属于思想的造型，克利则属于影像的造型，而在绘画的领域中，前者是自然的造物者，后者则更像自然的诠释者。1913年，他在巴黎住了差不多一年时间后，前往突尼斯采风。这次旅行对他的艺术演变具有决定性的作用。在《日记》中，他写道：“我已经和颜色成为一体了，我已经是位画家了!” 证明他的生活和艺术出现了新纪元。

第三个时期：创作的源泉（1916-1920）

克利继续抽象艺术的创作，他画笔下的大自然景色图像渐渐失去了表象，变成了如同乐谱般的图案。这个时期的作品中可以看到苏黎世达达团体发展起来的试验型诗歌的痕迹。克利在这个时期结识了作曲家和钢琴家，新古典主义的维护者费卢西奥•布索尼（Ferruccio Busoni 1866－1924），布索尼的理论也在很长时间里影响着克利的创作。

第四个时期：柏林，魏玛尔：音乐和剧台（1921-1929）

1920年，保罗∙克利在著名的包豪斯（Bauhaus）建筑学院当教师。包豪斯是一所比较现代的艺术学院，培养了很多现代型的艺术家。1922年，克利在讲课的时候曾经说过：“几个不同的主题同时出现并非音乐独有的特性，而是可以随处，在所有的现象里找到其基础和根基……”这番话表明他的艺术理论逐渐走向成熟，多声部音乐逐渐成为克利的绘画模式。他继续音乐和绘画之间换位问题的探索的同时，结识了一批作曲家，开始对金属音乐感兴趣。

康定斯基这时也在包豪斯学院教学，他在《论艺术中的精神》中曾明确地论证了音乐与美术的关系：他认为美术中的点、线、面相当于音乐中的节奏和旋律。美术中长短的线条就是音乐中的快慢节奏。美术与音乐一样，以其本身的因素传达着情感。保罗•克利也是公认的在音乐和绘画艺术理论的实际运用上最成功的画家之一。

第五个时期：对艺术领域的探索（1930-1937）

在1930年，克利离开包豪斯学院，在杜塞尔多夫艺术学院担任教授，他在这个时期创作了大量的油画作品，从风格上看，构图显得更加宽松和轻盈，克利很显然是要通过各种绘画的技巧来继续寻找一种新的多声部语言  克利的作品把节奏，多元与严谨的理论和有机的自由“呼吸”完美地结合在一起。

第六个时期：没有听众的音乐 （1933-1940）

希特勒上台以后，克利被迫离开了杜塞尔多夫艺术学院，回到比尔尼，一直到1940年离开人世都住在这里。1935年，出现硬皮病的症状，使他不得不停止继续演奏小提琴。他绘画的线条更加自如，圆润和简洁。1940年的作品中出现了不少幽灵般的音乐家的形象，表明音乐家与演奏的乐器最终融为了一体。

保罗•克利与号称近代绘画之父的塞尚是同样在生前默默无闻，但在谢世后，艺术评论家把克利与马蒂斯，毕加索和康定斯基等艺术大师相提并论，于克利是二十世纪最伟大的画家之一。

为了配合展览，音乐城里也将举办一系列围绕保罗克利生平的音乐会。

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